Datos de Exposiciones

Resultado de su residencia artística en Nueva York, la reconocida artista y docente, Melina Rapiman, exhibe su más reciente creación: una serie de retratos que explora la representación silente de mujeres y disidencias en la cinematografía de principios del siglo XX. Un viaje introspectivo compuesto por 26 telas pintadas con técnicas mixtas de forma experimental, que invita a sumergirse en las profundidades de la identidad femenina.

Producto de la residencia artística que realizó en Nueva York, el año 2022 – gracias a la Beca Santander de movilidad docente como profesora de la carrera de Diseño de Vestuario de AIEP–, surge Silencios, la nueva exposición de Melina Rapiman, que se inaugura el próximo miércoles 13 de noviembre a las 12.30 h en la Sala de Arte AIEP del Barrio Bellavista. “Está compuesta por 26 telas pintadas con técnicas mixtas de forma experimental, resultado de mi estadía en Nueva York, durante dos meses, que ha sido un impulso fundamental para mi carrera, mi profesión y mi labor docente”, explica Rapiman.

Silencios es una serie de retratos que explora la representación silente de mujeres y disidencias en la cinematografía de principios del siglo XX. Esta obra revela cómo, a través de la imagen, se debe personificar una identidad que oculta la vida y la personalidad auténtica de quienes proyectan una fantasía en la pantalla.

“Es un homenaje a las divas de Hollywood, que asumen posiciones dramáticas y expresionistas, evocando a esas vírgenes que dirigen su mirada hacia lo divino, así como a las brujas hechiceras, evocando esa dualidad que se le ha correspondido al género femenino”, agrega.

Para el director de la Escuela de Artes e Industrias Creativas AIEP, Karim Lela, Rapimán realiza un viaje introspectivo inspirado en estas icónicas estrellas del cine. “La artista textil nos presenta una serie de retratos que trascienden la mera representación, invitándonos a sumergirnos en las profundidades de la identidad femenina”, concluye.

www.aiep.cl
Instagram  @aiep_oficial

COORDENADAS SILENCIOS
Artista: Melina Rapimán
13 de noviembre al 13 de diciembre
lunes a viernes de 9 a 20 h; sábados de 9 a 14 h
Sala de Arte AIEP.
Bellavista 0121, Providencia, RM, Stgo.
Entrada: liberada

RESEÑA  
Silencios está compuesta por 26 telas pintadas con técnicas mixtas de forma experimental, resultado de la residencia artística que la artista textil de ascendencia mapuche, Melina Rapiman, realizó el año 2022 en Nueva York. Inspirada en icónicas divas de Hollywood de los años 20’ surge esta serie de retratos que explora la representación silente de mujeres y disidencias en la cinematografía de principios del siglo XX. Esta obra revela cómo, a través de la imagen, se debe personificar una identidad que oculta la vida y la personalidad auténtica de quienes proyectan una fantasía en la pantalla.

SOBRE LA ARTISTA
Melina Rapimán (Los Andes, Chile, 1977) es diseñadora, artista e ilustradora, Licenciada en Artes de UAHC y candidata a Magister en Historia del Arte de la UAI. Ha realizado exposiciones de su obra textil en Roma, México y Buenos Aires. En Chile ha expuesto en el Museo Nacional de Bellas Artes, Centro GAM, CH.ACO. y en el Museo de Arte Precolombino, entre otros. Obtuvo Mención Honrosa por tres años consecutivos en el Encuentro de Arte Contemporáneo Indígena (2017-2019). En 2022 obtuvo la Beca de movilidad Santander para docentes y realizó una pasantía en la School of Visual Arts, exponiendo en Flatiron Galery en Chelsea, Nueva York. En 2023 ganó la beca de investigación sobre diseño en el Museo de Arte Precolombino en Chile. En 2024 ha participado como exponente en foros sobre diseño en Buenos Aires (Argentina), San Diego (EE.UU.) y Madrid (España). Actualmente es docente en escuelas de diseño y realiza una investigación sobre ilustración de moda en Chile, cuyo repositorio se puede seguir en www.instagram.com/lasiluetailustrada

SOBRE SALA DE ARTE AIEP
La nueva Sala de Arte AIEP ubicada en el primer piso de AIEP Bellavista (Bellavista #0121, Providencia), con alta conectividad de transporte público, entrada liberada y a pocos pasos de unos de los centros culturales y gastronómicos más distintivos de la ciudad. Durante varios años la Sala de Arte AIEP funcionó en el barrio patrimonial Triana, pero su reciente traslado permite contar con una sala más amplia y mayores comodidades, tanto para expositores, como para visitantes. Este es el aporte de AIEP al Barrio Bellavista y a los artistas, pero también es un espacio para que estudiantes, como ya lo han hecho antes, tengan donde exhibir sus trabajos. A esta sala ahora se puede acceder paseando por Bellavista. Seguirá abierta a todo público con entrada liberada y contará con exposiciones todo el año, al igual que en Triana.

La reconocida artista plástica chilena, Liliana Iturriaga, en su nueva exposición interviene los espacios abiertos del GAM y presenta obras de gran formato incursionando en el muralismo, incluyendo proyecciones mapping y realidad virtual, invitándonos a explorar el fascinante universo cinético. Con el uso de inteligencia artificial, el público podrá crear sus propias obras con elementos propuestos por el artista.

Iturriaga presenta “Geometría Angular”, su más reciente trabajo inspirado en el estilo arquitectónico del Centro Cultural Gabriela Mistral y que contempla una exhibición de obras inéditas en sala y también mapping e intervenciones artísticas
en espacios públicos del Centro Cultural.

La muestra, curada por Rodrigo Alonso y Patricio M. Zárate, es una apuesta innovadora, donde la artista fusiona arte con nuevas tecnologías digitales, con el uso de proyectores EPSON, la robótica del Centro Nacional de Inteligencia Artificial
(CENIA), la realidad virtual de TITAN GROUP y la colaboración de MACRI ARQ en la producción.

Para Iturriaga, esta exposición multidisciplinaria nace de su deseo de llevar el arte óptico y cinético más allá de sus límites tradicionales: “Siempre me ha intrigado cómo el arte puede convertirse en un lenguaje universal que conecta a las personas.
En el caso de esta muestra, hay un diálogo que se genera entre la obra y el espacio arquitectónico del GAM. El edificio con su geometría es un punto de partida clave,

donde las superposiciones, repeticiones de patrones, líneas y formas que se aprecian en su estructura, juegan un rol fundamental”, comenta la artista.

La muestra no solo exhibe la maestría de la creadora en la plástica, sino que también integra elementos de vanguardia como la inteligencia artificial. Es así como estará “Fiona”, el robot creado con la colaboración de CENIA, quien recibirá a los
visitantes para guiarlos y hablarles de la muestra. Además, habrá un centro de actividades donde el espectador podrá hacer su propia obra a partir de patrones cinéticos dispuestos.

Bajo la dirección del Artista, un video mapping transformará los espacios gracias a la alta tecnología de EPSON, DELIGHT LAB y UNIFILMS y acompañada de sonidos con una estética que trasciende más allá de la música convencional, creado por el
compositor Luis Izquierdo. Con TITAN GROUP y la realidad virtual, el espectador podrá adentrarse en el mural cerámico de 15 metros expuesto en sala, en una tridimensionalidad inmersiva única a través de un entorno simulado.

En esta entrega, Iturriaga nuevamente da cuenta de su particular estilo, caracterizado por la abstracción geométrica y el cinetismo. El público podrá disfrutar de obras pintadas en acrílico en diferentes soportes. Fuera de sala, estará la obra
Suspensión 1, compuesta por telas de colores de 9 metros de altura, donde aparece la superposición de líneas orgánicas, elemento fundamental de la obra de Iturriaga.

Los colores están inspirados en “El Volantín”, vitral de Juan Bernal Ponce. “Lo principal en esta muestra es establecer vínculos con el espectador a través de lo sensorial y emocional, explorando el gran formato, el muralismo. Obras que
generan un impacto en la arquitectura de GAM, formando parte de éste, permitiendo que las personas se involucren de manera abierta. Mis obras anteriores se concentraban en figuras circulares, pero en esta ocasión se incorporan formas
angulares que permiten una mayor conexión con la arquitectura del espacio. Además, el uso de patrones repetitivos generan una dinámica que obliga al espectador a moverse y cambiar de perspectiva constantemente. Es emocionante como mi cinética toma un nuevo espacio y dimensión”, finaliza Iturriaga.

Sobre la muestra:
16 Oct al 15 Dic 2024
Ma a Do — 10 a 21 h
Sala de Artes Visuales (Edificio B, piso —1)
Gratis
Instagram: @liliana_iturriaga
https://gam.cl/exposiciones/liliana-iturriaga

·       En esta primera edición, las comunas de Providencia, Las Condes, Vitacura e Independencia exhibirán las obras de cuatro artistas.

·       “Amamos las calles” es un compromiso a largo plazo, ya que es una instancia que anualmente seleccionará a cuatro nuevos artistas emergentes que podrán postular sus obras y exponerlas en espacios de vía pública.

Santiago está siendo transformado por el arte gracias a “Amamos las Calles”, una intervención artística que, durante el mes de octubre, llenará los espacios públicos con las obras de cuatro artistas emergentes. Estos creadores compartirán su visión y talento con miles de transeúntes, convirtiendo la rutina de la ciudad en una galería al aire libre.

Cada uno de estos artistas trae consigo una historia única y una perspectiva particular sobre la relación entre arte y espacio público. Cristina Castellón (33 años) es una líder en la formación de mujeres creativas y defensora del acceso universal al arte. Sus obras exploran temas que mezclan lo mitológico con la modernidad. Ha dado charlas TED, publicado libros para colorear para adultos, fundado la comunidad Carnero de Metal y, recientemente, lanzó “Artista Publicada”, un proyecto para empoderar a mujeres en el ámbito creativo y editorial.

Connie Jerez (31 años) explora el pop art y ha convertido a las papas fritas en un ícono creativo. Inspirada en su adolescencia, utiliza este símbolo para representar cosas buenas y divertidas. Connie incorporó esta metáfora en su arte, transformando las papas fritas en personajes centrales de sus ilustraciones y en la base de su marca personal, bajo el concepto de “Papafritología”.

Mara Parra Santana (34 años), ilustradora y diseñadora industrial oriunda de Bulnes, mostró desde pequeña su inquietud creativa: en lugar de jugar con muñecas, se entretenía calcando fotos familiares. Sus primeros ingresos los obtuvo vendiendo en ferias de ilustración, y luego impartió talleres en una universidad en Concepción. Su historia, marcada por la pasión, la perseverancia y la búsqueda constante de su identidad artística, invita a descubrir cómo el arte puede transformar la vida de quien sigue su vocación.

César Benavides, alias “Pulso” (35 años), de Valparaíso, parecía estar destinado a una vida tradicional como psicólogo. Sin embargo, el Hip-Hop cambió su rumbo, fusionando su habilidad gráfica con su amor por la música y el graffiti. Fundó un centro cultural y, finalmente, dejó todo para dedicarse a crear letreros y piezas gráficas, reinventando la publicidad gráfica clásica con una estética moderna.

“Amamos las Calles” es la primera edición de un compromiso a largo plazo. Global Vía Pública, empresa promotora de esta iniciativa, se compromete a repetir esta instancia anualmente, seleccionando a cuatro nuevos artistas emergentes que podrán postular sus obras y exponerlas en espacios de vía pública.

Puntos de exhibición

Las obras, creadas especialmente para esta campaña, estarán disponibles durante todo octubre en comunas como Providencia, Las Condes, Vitacura e Independencia.

Algunas de las ubicaciones son las pantallas LED de Av. Las Condes (Cantagallo), Nueva Providencia (Eliodoro Yáñez, frente a la Plaza de la Aviación), Manquehue (puente Parque Araucano), y Av. La Paz (La Vega). También se exhibirán en mobiliario urbano LED en Américo Vespucio Poniente – Espoz, Américo Vespucio Poniente – Alonso de Córdova, Cerro Colorado – Alonso de Córdova, y Vespucio 991 – Cristóbal Colón.

Estas ubicaciones fueron seleccionadas estratégicamente para garantizar una visibilidad masiva, alcanzando a miles de personas que transitan diariamente por estos puntos clave.

Para más información: http://www.amamoslascalles.com/

El Museo del Instituto Pedagógico “Valentín Letelier” tiene una programación de actividades para este viernes 11 de octubre, de 18 a 22 horas, en el campus Macul.

El Museo del Instituto Pedagógico Valentín Letelier de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación (UMCE) participará de la Noche de Museos en su versión 2024, este viernes 11 de octubre, de 18:00 a 22 horas, con el circuito “El Pedagógico-UMCE te invita a un viaje en el tiempo”. Esta actividad, convocada por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio,  se enfoca en incentivar experiencias culturales en horario nocturno, contará con más de cien espacios culturales y circuitos patrimoniales que se realizará paralelamente en distintos lugares del país.

El Museo del Instituto Pedagógico presentará una ruta patrimonial cargada de historia y se enmarcará dentro de los 135 años desde la fundación de nuestra institución educativa.

Estudiantes de Pedagogía en Física nos explicarán sobre los viajes en el tiempo, además de observar el firmamento mediante telescopios dispuestos para aquello. Junto con ello nos adentraremos en las muestras históricas permanentes del Museo, que recrearán un salón de clases antiguo, así como los relatos sobre nuestros/as grandes maestros y maestras que inspiraron y dejaron huella en la educación chilena. A continuación, la memoria resistente también se hace presente, como también, la caracterización de personajes notables que salieron del Instituto Pedagógico que finalizará en el Parque de las Épocas, enfocado en la década de 1950, por un lado, mientras que por otro, se recreará la década de 1980 y su memoria de resistencia estudiantil, para concluir con bailes propios de cada década.

El Museo del Instituto Pedagógico, ubicado en el campus Macul de la UMCE (Av. José Pedro Alessandri 774, Ñuñoa) invita a todas las personas a concurrir sin inscripción previa para disfrutar de las diversas actividades y sorpresas y conocer un poco más del Instituto Pedagógico, un hito de la historia de la educación chilena.

Los y las ceramistas nacionales, Italia Folch, Sebastián Figueroa, Marién Leible, Polimnia Sepúlveda, Erwin Ziller llegan a la Sala de Artes Visuales Usach (SALAAV), ubicada al interior de Casa Palacio, con una serie de piezas inspiradas en objetos de uso diario. Durante su muestra se realizarán talleres, visitas guiadas y un remate de las obras. Estará abierta hasta el 11 de octubre.

Movilizados para alejar de su función primaria a objetos como vasijas, zapatos, teteras, tazas, entre otros, las y los artistas involucrados en esta exposición proponen un imaginario en el cual trabajan técnicas primitivas del fuego y experimentan con colores, formas y figuras desde sus diversas trayectorias y estilos para trabajar la arcilla. “Este es un proyecto colectivo, nacido como un ejercicio de interpretación personal de las formas de objetos cotidianos. Se busca dar cuenta del amplio espectro de la cerámica y hacer visibles las variadas versiones de la cerámica en su delgada línea entre lo utilitario y lo artístico”, comenta Marién Leible, escultora de la muestra.

La exposición fue patrocinada inicialmente por el Ministerio de las Culturas en su Línea de Artesanía y ha itinerado por la Escuela República de México, la Galería Modigliani en Viña del Mar, el espacio Quinta Bella en Recoleta, y la Sala de exposiciones del Departamento de Cultura Usach. Ahora, de manera independiente y financiada por el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales (PAOCC)  bajo la producción de Extensión Usach y la Corporación Cultural, llega a la Sala de Artes Visuales Usach (SALAAV) con con un nuevo montaje y actividades de mediación hasta octubre de 2024.

“La curatoría de nuestra Sala este 2024, está enfocada en el cruce de las artesanías con el arte contemporáneo o, dicho de otra manera, a las artes populares. Esta muestra es un ejercicio de creación artística a partir de la observación del patrimonio del hogar, objetos íntimos y familiares, que se vuelven escultura, obra de arte”, destacó Natalia Mejías, encargada del área artes visuales de Extensión Usach.

Son 30 piezas únicas que Italia Folch, Sebastián Figueroa, Marién Leible, Polimnia Sepúlveda y Erwin Ziller crearon, inspirados en la cerámica precolombina y el mundo astral, en sus diferentes experiencias y técnicas como lulo pellizco, placas, torno y modelado, entre otras. “Todos los procesos creativos, creo yo, parten de la vivencia propia, preguntándose el por qué yo hago estas formas. Eso tiene relación con lo vivido y lo visto”. Agrega Polimnia Sepúlveda (1941), directora artística de la muestra, escultora y docente con más trayectoria de esta exposición, quien nació en una familia de profesores normalistas con una gran carga artística, y con estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de la Facultad de Bellas Artes (1929-1969).

“Siempre pensé en salir a buscar otras formas a las que estoy acostumbrada a crear. Mi temática es la mujer y, mientras hacía clases de dibujo en un Instituto, pensé en lo bonito del zapato como objeto de estudio. Entonces, busqué a ceramistas y alumnos para desarrollar un proyecto y les transmití la idea. Así fue como le dimos un vuelco y pensamos en por qué no buscar otros objetos que sean propios del ceramista y de la artesanía como la taza, la tetera, conocidos por todos, y llevarlos de lo funcional hacia lo artístico”, concluye Polimnia.

“Ante el objeto cotidiano” lleva un mes de exhibición en la Sala de Artes Visuales Usach, ubicada al interior del centro cultural Casa Palacio en el barrio Brasil. A la fecha, se han realizado visitas guiadas a colegios y un taller de cerámica a cargo de Marién Leibe y Erwin Ziller. Las próximas actividades también gratuitas, serán el sábado 28 de septiembre con la artista Italia Folch, con un taller de pastas y esmaltes (previa inscripción), y la salida con la exposición al barrio Concha y Toro el 6 de octubre. Para el cierre de la exposición, el viernes 11 de octubre, y como parte de la programación de la “Noche de los museos” se rematarán las 30 piezas que forman parte de la muestra al público en general. Para mayor información sobre estas actividades, revisar las redes sociales de @extensionusach y @corporacionculturalusach.

Horario de visita: miércoles a viernes, entre 15:00 y 20:00 horas; sábados de 11:00 a 18:00 horas. SALAAV, Casa Palacio (Alameda 2133, Santiago).

Explorando la intersección entre arquitectura, historia y crisis medioambiental, esta exposición revela cómo la industria salitrera chilena dejó su huella en la icónica estructura de Hamburgo, Alemania. 

El Centro Cultural La Moneda presenta Chilehaus: Atacama / Hamburgo una exposición interdisciplinaria, que se exhibe con entrada liberada en la Galería de Patrimonio (nivel -1) y que aborda la historia, arquitectura y fotografía con recursos audiovisuales de uno de los edificios más emblemáticos de Hamburgo (Alemania) y su relación con la industria salitrera de principios del siglo XX en el desierto de Atacama (Chile). 

Con el nombre Chilehaus: Atacama / Hamburgo y bajo la curaduría del arquitecto, Alfredo Thiermann, esta exposición presenta material inédito recopilado tanto en Alemania como en Chile, en torno al Chilehaus, un monumental bloque de oficinas declarado Sitio de Patrimonio Mundial por la Unesco en 2015.  

Así es como la identidad salitrera chilena ha dejado huella en Alemania con un enfoque interdisciplinario que invita a reflexionar sobre las relaciones de poder y las dinámicas del capitalismo que moldearon tanto el paisaje del norte de nuestro país, como la ciudad portuaria de Hamburgo en Alemania. 

La directora del Centro Cultual La Moneda, Regina Rodríguez, comentó que la muestra ofrece una lectura contemporánea y decolonial de un edificio emblemático de la historia alemana en cuyo origen estuvo el salitre chileno y la realidad social de la época, circunstancia que se pone en evidencia después de la investigación realizada por el curador Alfredo Thiermann.  

“Esta relectura invita a una reflexión sobre el futuro desarrollo sostenible de Chile sobre la base de recursos naturales cuya explotación y destino están hoy en el debate. Es una interesante propuesta para revisar nuestra historia y la de Alemania”, concluyó. 

El edificio construido en 1924 y considerado el primer bloque de oficinas de Hamburgo, Chilehaus se erige como testimonio del auge salitrero que transformó la economía y la sociedad de Chile y Europa durante una época. La exposición propone un viaje a través del tiempo y el espacio, mostrando cómo la explotación de los recursos naturales en el desierto de Atacama se convirtió en la base para la construcción de este ícono arquitectónico en otro extremo del mundo. 

“Cuando uno está parado sobre la superficie del desierto no ve nada, pero cuando lo ves desde arriba es como si fuera un sensor fotográfico, cada huella está marcada, eso es una de las cosas más fascinantes que podíamos presentar en la exhibición”, señaló Alfredo Thiermann. 

Enfatizó además que los documentos del aparato burocrático cultural europeo que hicieron que se explotara de cierta forma el desierto en Chile, se conectaron con los historiadores locales y con la materialidad propia del desierto, lo que pudo revertir la narrativa que estaba construida por esos archivos. 

El público podrá explorar las complejas interrelaciones entre el patrimonio, la explotación de recursos naturales, y los estilos de vida sustentables. Además, la exposición promueve una toma de conciencia sobre el impacto de las tecnologías y la extracción en el planeta, abogando por la construcción colectiva de un futuro más respetuoso y equilibrado. 

La investigación que sustenta esta exposición ha sido producida y patrocinada por el Laboratorio de Historia y Teoría de la Arquitectura, Tecnología y Medio, integrado por Pedro Correa, Ella Neumaier y Xavier Nueno; de la Escuela Politécnica Federal de Lausana, Suiza (HITAM de EPFL). Los archivos consultados, que datan de finales del siglo XIX hasta mediados del XX, junto con los registros contemporáneos tomados en el desierto de Atacama (2023-2024), ofrecen una visión exhaustiva de las conexiones entre estos dos territorios y sus respectivos legados industriales. 

Coordenadas

• Fechas de exhibición | 27 de septiembre, 2024 al 26 de enero, 2025.
• Lugar | Galería de Patrimonio (nivel -1), Centro Cultural La Moneda (Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago Centro).
• Horario | Martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas.
• Entrada liberada | Previa reserva de ticket en cclm.cl o en boletería (nivel -1).

• Dirigido a artistas y músicos interesados en incursionar y experimentar con el paisaje sonoro, la música tecnológica, la escultura sonora, la luthieria experimental, la instalación sonora y el uso de la inteligencia artificial en el sonido. El programa de formación, es a distancia, gratuito e inédito.
   
• Más información en www.fundacionurdimbre.cl

El arte sonoro es una práctica en constante transformación debido a los avances tecnológicos y la irrupción de lo digital. Así y todo, faltan en Chile más espacios para reflexionar sobre las prácticas artísticas interdisciplinarias que utilizan el sonido como vía principal de expresión.

Fuera de Campo, iniciativa de la Fundación Urdimbre, viene a llenar este vacío con una convocatoria dirigida a artistas interdisciplinares que tengan al sonido como eje central de su obra. 

Los participantes accederán a una serie de herramientas teórico-prácticas para contribuir en el desarrollo de sus procesos de investigación y creación artística, a fin de que puedan abrir nuevos caminos que les permitan transfigurar los límites de la estructura sonora y musical tradicional.

“Buscamos ser un refugio, donde las/os artistas de todo Chile se detengan y encuentren nuevos motivos para seguir creando. Sin duda, una tarea de largo aliento, pero imprescindible para el desarrollo de este singular lugar en el mundo”, destaca Diego Véliz, de la Fundación Urdimbre.

La convocatoria se extenderá del 5 de agosto al 13 de septiembre. Está dirigido a artistas sonoros y músicos afines. Podrán postular paisajistas sonoros, artistas cuya práctica este vinculada a la poesía, performance, instalación o escultura sonora, artistas radiales, luthieres experimentales, músicos electroacústicos y/o afines con el arte sonoro, artistas provenientes de otras disciplinas humanistas y científicas interesadas en el uso creativo del sonido, personas ligadas a la generación de algoritmos por IA, entre otros.

Un nuevo espacio de estudio y creación

Fuera de Campo es un término utilizado en fotografía y cine para definir lo que queda fuera del recuadro de la imagen. Es aquello que no ingresa en el plano, que necesita ser (re)creado desde la imaginación para poder existir. Es lo que está, pero no se ve. La Fundación Urdimbre recoge esta idea para crear una línea formativa donde el sonido será protagonista. “Aunque a simple vista, podría parecer paradójico acudir a un concepto de la visualidad para pensar en lo sonoro, sin embargo, en el fuera de campo también habita lo que se puede percibir desde la escucha. Por lo tanto, quisimos revalorar este lugar y convertirlo en un nuevo espacio de estudio y creación”, reflexiona Véliz. “Nuestro deseo es ampliar las posibilidades creativas de quienes dan vida al ecosistema sonoro nacional, mediante el desarrollo de un programa educativo avanzado, gratuito e inédito en Chile. Todo esto será posible gracias a la entrega de insumos teóricos, prácticos y el análisis de diferentes ramas del arte sonoro, a fin de desplegar un mapeo por lo que se ha hecho y se está haciendo a nivel internacional”.

Fuera de Campo es una formación virtual de 2 meses, certificada por Fundación Urdimbre e impartida por 4 reconocidos docentes de España, México y Argentina.

El arte sonoro es una práctica artística interdisciplinaria que utiliza el sonido como vía principal de expresión. Algunas de sus vertientes más comunes son la instalación sonora, la escultura sonora, la poesía sonora y visual, las performances sonoras o las obras intermedias con presencia del sonido. 

En ese contexto, Manuel Rocha Iturbide (México), Doctorado en Ciencias y Tecnologías de las Artes en la Universidad de París VIII, realizará una revisión histórica de lo que es el arte sonoro, no solo en el mundo anglosajón y europeo, sino que también en los países latinoamericanos en donde han surgido perspectivas distintas. Se ahondará en el origen y el desarrollo de las distintas manifestaciones del arte sonoro, a través de la revisión de obras que serán acompañadas por imágenes, video, audio y textos.

EL SONIDO Y SU CONTEXTO DE SENTIDO

En las últimas décadas, el arte sonoro ha ganado protagonismo tanto en el mundo del arte como de la música, reclamando para sí un territorio propio. El docente el Dr. Nicolás Varchausky (Argentina), Doctorado en el Department of Digital Arts and Experimental Media (DXARTS-University of Washington), en este módulo explorará la instalación como uno de los formatos más utilizados en el arte sonoro, proponiendo estudiar las distintas estrategias de uso del espacio como la idea de sitio específico, la arquitectura aural, el sonido en relación con su contexto de sentido, la intervención, la apropiación, la resignificación y la ocupación. A su vez, se propondrá un ejercicio de escucha para apreciar y reconocer la auralidad doméstica como una forma posible para percibir la escucha de los espacios.

ESCULTURA SONORA COMO PRÁCTICA INTERDISCIPLINARIA

La escultura sonora representa un campo de actividad interdisciplinaria que ha crecido enormemente desde inicios del siglo XX. Martí Ruiz i Carulla (España), Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, efectuará un recorrido que identifique escultura, instrumentos experimentales hasta conjuntos instalativos, ya sean automatizados como interactivos.

INTELIGENCIA ARTIFICIAL Y SONIDO: EL CASO DE AUDIOSTELLAR

El interés en el uso de algoritmos de inteligencia artificial (IA) en distintas áreas relacionadas al arte se encuentra en auge. Si bien existe un foco particular en la generación de imágenes, distintas aplicaciones que trabajan lo sonoro han ido apareciendo en los últimos años. Mg. Leandro Garber (Argentina), artista y científico de datos, revisará las nociones básicas de IA no supervisada, centrándose en reducción de dimensionalidad, clustering e intuiciones sobre cómo funciona una cadena de procesos.

La convocatoria se extenderá del 5 de agosto al 13 de septiembre. Está dirigido a artistas sonoros y músicos afines. Podrán postular paisajistas sonoros, artistas cuya práctica este vinculada a la poesía, performance, instalación o escultura sonora, artistas radiales, luthieres experimentales, músicos electroacústicos y/o afines con el arte sonoro, artistas provenientes de otras disciplinas humanistas y científicas interesadas en el uso creativo del sonido, personas ligadas a la generación de algoritmos por IA, entre otros.